Passion Kimono

 Ce que le Japon a donne au monde....le raffinement,l'artisanat d'art au plus haut niveau d'exigence.

 En Isomoto gère la production pour Chiso, une maison de kimono et de tissus de teinture Yuzen basée à Kyoto, fondée en 1555. 

Son rôle est d'assurer la continuité de l'art inestimable des techniques de teinture traditionnelles, y compris les chefs-d'œuvre de kimono en soie fabriqués à la main et sur mesure. Son équipe de stylistes, dessinateurs et artisans spécialistes crée sur une période de quatre semaines à dix-huit mois, selon les exigences et les subtilités des motifs et des broderies.

Isomoto -  a environ quatre cent soixante-deux ans, en 1555, Chiso a été fondée ici à Kyoto. L'entreprise s'est spécialisée dans la confection de vêtements religieux jusqu'à la fin de la période Edo et le début de l'ère Meiji. Après le début de l'ère Meiji, il y eut un grand nombre de changement societal et culturels, y compris la perte d'influence des temples ainsi que le transfert de la capitale de Kyoto à Tokyo. Jusque-là, les kimonos n'étaient portés que par les aristocrates [Kuge] et l'élite, mais les changements culturels accompagnés d'une occidentalisation croissante ont ouvert les portes à des personnes de toutes sortes d'horizons, pouvant porter ces types de kimonos.

À l'origine, les Kuge portaient des tapisseries tissées avec des fils et des broderies d'or, ou teinture shibori. Telles étaient les techniques appliquées aux kimonos à l'ancienne avant l'entrée en vigueur des lois interdisant toute démonstration de richesse.

YUZEN-友禅ー

La teinture au yuzen tire son nom de Miyazaki Yuzen qui, en tant que concepteur original, a développé une technique appelée «Yuzen teint au Tata» à la fin du XVIIe siècle. Pendant cette période, lorsque les étalages extravagants de richesse furent interdits, les dessins colorés de Yuzen pouvaient être produits en utilisant ses techniques de teinture à la pâte et en créant de belles représentations qui étaient appliquées aux kimonos qui pouvaient contourner l'interdiction. 

Environ 70 des 100 employés de Chiso travaillent à son siège social de la rue Sanjo, dans le centre de Kyoto. (Le reste travaille dans le bureau de Tokyo.) Le bâtiment a une maison de thé populaire au rez-de-chaussée et une petite galerie pour les kimonos. Chiso utilise des ordinateurs dans le processus de conception depuis cinq ans et envoie maintenant des versions numériques aux clients pour montrer les mélanges potentiels de motifs, de couleurs et de matériaux. L'équipe s'appuie également sur sa propre bibliothèque, avec des livres et des classeurs remplis de motifs de kimono datant de plusieurs centaines d'années.

Il y a vingt étapes pour faire un kimono, et une dizaine de ces étapes concernent la teinture Yuzen. Tout est question de couleurs. Vous pouvez vraiment commencer à apprécier les couleurs que la nature fournit, lorsque vous les voyez appliquées sur un kimono. 

L'eau de Kyoto 

Elle est l'essentiel pour apprecier le the vert japonais mais pas seulement:

L'eau est très précieuse pour le processus. Selon l'équilibre des minéraux, certaines couleurs semblent plus transparentes, ou plus opaques. Par exemple, si vous teignez un morceau de tissu à Tokyo et un autre à Kyoto en utilisant les mêmes pigments, les couleurs seraient complètement différentes. L'eau affecterait la saturation, et parfois même la couleur elle-même. À un moment donné, il a été décidé que l'eau de Kyoto était beaucoup plus adaptée à la teinture. Surtout, les couleurs plus douces et plus pastel semblent bien ressortir ici. 

Takahashi Toku se spécialise dans le yuzen, un procédé de teinture développé au milieu du XVIIe siècle qui utilise initialement une pâte à base de caoutchouc pour protéger les zones de la teinture, puis une série complexe d'applications et de traitements à la vapeur. Il a également des ouvriers qualifiés qui peuvent ajouter des embellissements comme des broderies ou des feuilles métalliques pour finir un dessin.

Shuki Takahashi, le fils du président de l’atelier, a rapidement passé un colorant mauve sur un long morceau de soie blanche qui avait été tendu sur un cadre en bambou. «Peu de gens savent comment faire cela aujourd'hui», a-t-il dit, expliquant que la couleur ne sèchera uniformément que si la température de la pièce est constante et qu'elle est fermée à la lumière naturelle pour éviter les ombres.

Quelle est la caractéristique du kimono Yuzen:o'est la beauté mystique des produits artisanaux traditionnels, bien sûr. Bien que certains amateurs ne puissent pas distinguer le Yuzen de CHISO du Yuzen des discounters, les aficionados peuvent certainement le dire. Étonnamment, ils peuvent même dire lequel est fabriqué par CHISO, bien qu'il n'y ait pas de nom de marque sur la surface de ces kimonos. Ces aficionados ou aficionadas doivent être qualifiés de «prosommateurs». En tant que fabricant de kimonos de luxe, CHISO avait principalement ciblé ces prosommateurs. Caractéristiques: les caractéristiques qui complètent la fonction de base du produit peuvent être les mêmes sur le Yuzen de CHISO et sur le Yuzen des autres kimonos à rabais. Afin d'analyser une telle différence subtile dans ces produits, l'expérience client ou la valeur expérientielle est essentielle et indispensable>

https://issuu.com/gstrautmane/docs/kimono(Magasine sur les Kimonos)

 https://vimeo.com/215323648

 

 

上村 松園 Shoen Uemura

1875-1949.Figure majeur de la peinture traditionnelle japonaise (NihonGa).Tsune Uemura (上村 津禰)son nom de bapteme,elle reprendra le nom de son maitre selon la tradition ;Suzuki Shoen auprès de qui elle apprendra le Nihonga a Kyoto , le maitre sera impressionne par le talent de son élève.Elle sera une des très rare femmes a faire carrière (elles sont 80 en 18480.En 1941 elle est la première a être membre de l’académie des arts.

 

En 1944, elle est nommée peintre à la cour. Pendant la Seconde Guerre mondiale, elle exprime son nationalisme et au pays à travers son art, et voyage en Chine à la demande du gouvernement . En 1948, Uemura Shōen est la première femme à être décorée de l’ordre du mérite culturel japonais.

Elle meurt d’un cancer en août 1949, à l’âge de 74 ans.

 

Les sujets de prédilection de l'artiste sont les femmes , une genre déjà très présent dans l'Ukiyoe appelé Bijinga. 

La peinture de Shoen Uemura est tes proche des Ukiyoe par ailleurs , les techniques ''lisses'' du nihonga étant  gardées telle-quelle,sans être aucunement influencées par la peinture occidentale. 

 Dans ses efforts pour montrer la beauté féminine dans ce qu'elle croyait être sa forme la plus pure, les peintures de Shoen se caractérisent à la fois par une légèreté du toucher et une profondeur de sentiment. 

 

JOUR DE NEIGE-Couleur sur soie 1944 ( période Showa)

Les  femmes sont peintes comme des objets de désir et d'admiration, mais à travers la composition de son œuvre, Shoen  nous invite  à interroger leurs pensées intérieures tout autant qu'à apprécier leur beauté extérieure. 

Le fond clairsemé de cet autre tableau de 1944 donne non seulement l'impression d'un vent hivernal cruel qui ramène ses sujets d'un côté du tableau, mais incite les yeux à suivre le mouvement de la composition et à se poser sur leurs visages. 

 

 

Femme attendant le clair de lune

1944

 

La représentation de cette femme appuyée sur une balustrade a été exécutée avec une composition simple,  cette œuvre fait un usage presque miraculeux de la zone non peinte et de la profondeur spacieuse qui caractérise la peinture japonaise. Cette œuvre est un chef-d'œuvre de la période de maturité d'Uemura Shoen, qui a idéalisé la dignité de la forme féminine dans son travail.

 

(Adachi, museum of art)

                  ''PRELUDE""

Danseuse en tenue formelle exécutant une danse traditionnelle japonaise (Buyo).

L'une de ses œuvres les plus célèbres,sélectionnée pour le timbre-poste publié par le service postal national japonais en avril 1965. Il figurait également sur l'affiche de l'exposition Uemura Shoen au Musée national d'art moderne de Kyoto du 2 novembre au 12 décembre 2010.

Les œuvres de Shoen Uemura sont très populaires et très souvent utilisées pour diverses illustrations, aller au japon ou s'y intéresser nous fait forcement connaitre cette artiste sans la connaitre.C'est ce qui m'est arrive avec une de ses plus célèbres estampes de fantôme  dont j'ai une reproduction depuis de nombreuses années.

                                   Fantôme tenant un sabre dans nuit 191 su 92 cm

Et cette œuvre singulière dans le paysage artistique japonais comme dans le travail de Shoen Uemura lui-meme :  FLAMME

Une femme vêtue d'un kimono blanc surgit sur un fond crépusculaire. Elle est belle, mais ses yeux semblent sans vie. Quelque chose d'effrayant se dégage d'elle. La peintre Uemura Shoen a réalisé "Flamme" (Honoo) en 1918. Il s'agit d'une création inhabituelle pour elle. Elle représente en général des femmes pures dans un univers de couleurs vives.

 

Musée national de Tokyo. 

Ou se trouve cette flemme ? pas dans le tableau.La longue chevelure mordillée par la femme.

Une passion et une douleur se dégage du tableau inspire semble t il par le Genji Monogatari.

Rokujo no Miyasu Dokoro, le nom de cette princesse que représente le tableau meurt littéralement de jalousie ( c'est une des concubine du prince Genji).Elle se transformât en esprit errant poussant la femme de Genji jusqu'a la mort.

La flamme de la jalousie mortifère....

 

De simple lignes et aucune ombre.Les os sont perceptibles dans ces poignets blancs...

Les motifs de glycine et de toiles d'araignee , les courbes en s et les manches du kimonos en mouvement donnent vie a ce tableau .

Shoen elle-même dit ne pas savoir pourquoi elle a peint ce tableau qui n'est pas une commande.

Ce tableau est l'expression de pensees propres a l'artiste tout en etant en adequation avec une longue tradition artistique et une reference litteraire millenaire.

 

 

''Le parfum raffine d'un joyau'' tel était l’idéal de Shoen. Un tableau de cent ans qui reste très moderne.

 

 

 

 

ShinseiShinGeiza -新生真芸座- Une troupe de theatre itinerant

-(座長)Chef de troupe Noboru Aikawa (哀川昇)aine de trois frères.

-Le deuxième chef de troupe :AIKAWA SHIDO 哀川　芝瞳
Ne le 22 février 1999 a Fukuoka.

AIKAWA TAKUTO ne le 6 fevrier 1993

哀川 拓都花形 

 

AIKAWA ENRYU

哀川炎隆   

 

 Aikawa Ougi 哀川旺芸 Ne le 20 octobre 2006 c'est le plus jeune de la troupe, enfant de la balle .

 

哀川けい Aikawa Kei Nee le 7 décembre 1992 , la seule femme de la troupe.

Rôles de Geisha et de servante et parfois en homme pour les parties danses du spectacle.

 

Elle est mère de deux enfants. Femme de tête , très autoritaire , elle m'a intimide !

Intrigue aussi, tant la différence physique et psychologique est grande entre la scène et la ville. 

 Aikawa Keitaro 哀川慶太郎

Excellent danseur au dynamisme incroyable.


AIKAWA KOICHI 哀川光一








Parmi tous les membres de la troupe c'est celui dont j'ai été le plus proche .Je lui ai offert un portrait polaroid qu'il a beaucoup apprécié.
C'est une petite usine a spectacle qu'une troupe de théâtre....quand ils ne jouent pas chacun mene sa petite vie , le plus souvent devant un écran.Les repas ne sont pas pris en commun , chacun se sert dans la cuisine.
Comment crée des liens avec chacun  sans être inopportun ?




Son blogue :  https://ameblo.jp/debuti555-2/

Le site officiel de la troupe :    http://aikawanoboru.com/http:

 

C'est en septembre 2019 que j'ai pu suivre la troupe entre Fukuoka et Osaka . Avec mon Minolta A700 et son moteur , Un Canon A1 et un Sony A7ii pour le numerique...

Toutes les photos numériques auront disparues avec le vol de mon Samsung Note  a Osaka un matin dans un Combini....

Reste les pellicules a développer au cours de cet hiver. 

Et l'impatience de prochaines rencontres avec la troupe a l'automne prochain.

 

Le theatre itinerant au Japon , une tradition vivante,un kabuki populaire

http://0481.jp/Le titre des pièces interprétées n est pas indiqué à l ' extérieur : on ne vient pas voir une pièce, mais une troupe! Le chef, zachô, est l âme de la troupe. On attend de lui qu'il ait la virilité des rôles masculins de bandit d'autrefois, de marin, de vagabond, d'anti-hero, et en même temps qu'il ait la féminité de femme délaissée ,  de Geisha timide ... ). Inversement, les femmes jouent aussi à l'occasion des rôles d'hommes.
 De manière générale, le spectacle qui dure trois a quatre heures se déroule en trois parties. La première présente l ensemble des membres de la troupe à travers un certain nombre de danses isolées, à deux ou en grand nombre. Après un premier entracte, vient la pièce de théâtre, drame ou comédie, les deux étant souvent mêlés. Après un second entracte, c est à nouveau en dansant que les acteurs s offrent au public. Il n'y a pas de textes écrits des pièces : c'est oralement que se font les répétitions et la répartition des rôles sous la direction du chef. On appelle kuchidate, ce principe qui remonte aussi au kabuki d'autrefois.
 L entrée est permanente et coute 1600 yen, alors qu'on ne peut guère apprécier le kabuki ou tous les autres théâtres à moins de  10 000 yen. Une place de cinéma tourne autour de 2000 yen à Tôkyô. Certaines salles de théâtre sont en tatami, d'autres offrent des sièges comme dans un théâtre de style occidental, d'autres encore permettent le choix. Certaines salles ont un hanamichi, cette allée qui traverse la salle et par laquelle les acteurs peuvent entrer et sortir et surtout se donner de plus près encore au public. La mère joue aussi des rôles de vieille femme dans les haha mono, les pièces qui font pleurer dans lesquels les mères (haha) jouent un rôle central.
 Le kabuki et le nô sont l objet d un respect dû à des classiques, mais les héritiers vivants des traditions anciennes sont, eux, oubliés, ignorés, voire méprisés. Le célèbre réalisateur japonais Ozu Yasujirô a pourtant consacré deux films, l un en noir et blanc, l autre en couleur, aux troupes d acteurs itinérants sous le titre de Ukikusa «Herbes flottantes». Ces troupes de théâtre et de danse ne cherchent d'ailleurs pas à se faire connaître en Occident, car elles ont un public très fidèle et vivent en osmose avec lui. Elles sont pourtant les héritières du kabuki, l'art de «la contorsion» et de «l extravagance», tel qu'il fut pratiqué avant l'époque moderne quand il était considéré comme un lieu de perdition où les guerriers ne devaient pas aller (ils y allaient donc en cachette), quand les acteurs étaient considérés comme des manants à éviter et qu'on interdisait aux femmes d'y jouer. Ce «théâtre populaire» a connu bien des métamorphoses au cours de l histoire du Japon moderne. Il a aussi subi de plein fouet la concurrence de la télévision et déjà au début des années 60 le correspondant du Monde, Robert Guillain, mentionnait dans un article la destruction d une salle de théâtre dans le quartier populaire de Kitasenjû à Tôkyô. Cette forme de théâtre est-elle en voie de disparition? Toujours est-il qu elle se maintient aujourd hui même, sans aucune subvention, avec un public qui lui est fidèle. *** La différence fondamentale que l'on trouve par rapport au kabuki, c'est que ces troupes d'acteurs ambulants qui constituent toujours, ou presque toujours, des familles avec le père, le grand-père parfois, le fils adulte, son épouse, ses enfants, des frères, la ou les grands-mères, des bébés qui gambadent dans les coulisses... présentent un spectacle auquel participent hommes et femmes. Tout ce petit monde réside pendant un mois dans un théâtre où il joue une pièce différente tous les soirs et parfois même une pièce différente en matinée et en soirée. Le mois suivant, la troupe repart ailleurs et cède la place à une autre.

 Leur statut de marginaux  persistant les membres de taishû-engeki restent socialement invisibles. Mis à part un nombre limité de passionnés, leur existence est inconnue du grand public pour sa plus grande part. Malgré une inscription officielle de résident à un endroit particulier, les artistes voyagent continuellement au Japon, mois après mois. Tout comme leurs ancêtres séculaires, ils conservent un style de vie nomade.
 Afin de définir et de décrire le style de vie et le drame distincts de taishû-engeki, il est nécessaire d’examiner son contexte historique, vieux de plusieurs siècles. Bien que ses origines demeurent inconnues, il provient en partie de diverses formes de spectacles de rue conçus pour le divertissement et introduits par des artistes itinérants de Chine vers le 7ème siècle. Cette forme originale de divertissement en plein air s'appelait sangaku, c'est-à-dire une variété de formes de divertissement. Mais au fil du temps, on l'appelait généralement sarugaku (alias sarugô) pour des raisons qui n'ont pas encore été prouvées. Les artistes de Sarugaku étaient des chanteurs, des danseurs, des acrobates, des marionnettistes, des magiciens et des imitateurs d’animaux-insectes. Sur le plan de la généalogie, cet éventail varié d’artistes est le lointain ancêtre de ce qui est maintenant largement connu sous le nom de théâtre nô, mais il est également lié aux acteurs actuels de taishû-engeki.

Le theatre Kabuki emission france-culture

NOTES EN VOYAGE -

L'univers sonore du théâtre populaire de Edo 4/8 : Le théâtre Kabuki, 1 : Le Narimono

 

JAKUCHU un artiste Japonais enfin presentes aux francais

Pour la première fois en Europe, le public a eu le privilège de découvrir le chef-d’œuvre réalisé par Itō Jakuchū

伊藤若冲

    (1716-1800). Figure singulière de la période Edo (1603-1867), Jakuchū est connu comme l’un des artistes excentriques ou indépendants de Kyōto, qui n’étaient liés à aucun mouvement artistique en particulier, mais qui créèrent un style tout à fait personnel. Ce fut seulement à l’âge de 40 ans passés qu’il put s’adonner entièrement à la peinture. Cet ensemble de trente rouleaux intitulé Images du royaume coloré des êtres vivants (Dōshoku sai-e) est son œuvre la plus ambitieuse, réalisée sur presque une décennie. Il représente avec ses fleurs, poissons, et oiseaux l’un des exemples les plus remarquables de peinture polychrome japonaise du 18ème siècle. Cet ensemble, appartenant à la collection de l’Agence de la Maison impériale du Japon, en tout point exceptionnel, n’a quitté le Japon qu’une fois, en avril 2012, pour être présenté à la National Gallery de Washington. Il n’est montré qu’à Paris accompagné par la triade bouddhique du temple Shôkoku-ji et pour une durée d’un mois en raison de sa fragilité.



Nandina et coq, Ito Jakuchu, 1765. Rouleau conservé à Tokyo,
au Musée des collections impériales. / Agence de la Maison impériale
 Le génie de Jakuchu se cache — comme le diable — dans les détails. Toutes ses peintures recèlent des éléments masqués : un papillon perdu au second plan qui vous fixe dans les yeux, d’inquiétantes taches brunes sur les feuilles, d’étranges spirales. Comme si, au-delà de la vue d’ensemble, il cherchait à nous faire sourire, réfléchir sur l’impermanence, ou peut-être nous adresser un signe de connivence. Jakuchu l’autodidacte n’appartient à aucune école. Images du royaume coloré des êtres vivants, pourtant, est une œuvre singulière qui fait le lien entre académisme et impressionnisme, naturalisme et abstraction, objectif et subjectif… Ce qui bouleverse légèrement notre chronologie occidentale et questionne notre conception de ce qui est ancien ou moderne. Cette exposition qui con­sacre la renaissance d’un artiste extra­ordinaire est sans doute le plus beau cadeau que le Japon nous ait fait depuis longtemps.

Son style éblouissant atteint son apogée avec la série de trente rouleaux verticaux Images du royaume coloré des êtres vivants (Dôshoku sai-e), réalisée sur près d'une décennie, vaste échantillonage de la flore et de la faune, aussi bien terrestres que marines.


La fascination qu'exerce le peintre traverse les âges et son oeuvre est largement appréciée de nos jours au Japon, allant jusqu'à inspirer le collectif teamLab qui crée des oeuvres numériques à partir des peintures de Jakuchû, en qui ces artistes voient un précurseur du pixel art.







Un film lui est consacre:

JAKUCHU: The Divine Colors
Réalisateurs : Yuriko Kumagai & Chihiro Tajima
49 mins / 2016

 Ito Jakuchu (1716 -1800) était un peintre japonais qui représentait le monde naturel avec des couleurs vives dans les moindres détails, ce qui lui a valu le surnom de « l’homme à la main divine ». En 2016, les parchemins au format diptyque, intitulés Phoenix and Peacock, de Jakuchu, disparus depuis de nombreuses années, ont refait surface, incitant les spécialistes en art à lancer une étude de grande envergure utilisant des technologies de pointe afin de mieux appréhender le processus créatif de l’artiste et son style singulier en matière de composition et de motifs.
Lorsque cette étude sera terminée, Phoenix and Peacock sera restauré et exposé au public pour la première fois. Cette exposition à Tokyo présentera d’autres chefs-d’oeuvre de Jakuchu, y compris Colourful Realm of Living Beings et Sakyamuni Triptych.
Le travail des lignes particulièrement délicat de Jakuchu, dont certaines mesurent à peine 0,1 mm d’épaisseur, est un exploit que, selon certains, aucun autre artiste n’a jamais accompli. JAKUCHU: The Divine Colors est une opportunité unique d’observer la main de l’artiste en gros plan afin de révéler les secrets cachés, conservés dans ces rouleaux pendant plus de deux cents ans.

http://www.nhk.or.jp/special/jakuchu/http://www.nhk.or.jp/special/jakuchu/


 
 
HOUZOUJI   宝蔵寺 est un temple de la famille de Jakuchu et de la famille Ito, Jakucho est une pierre tombale de ses parents la 4ème année de Kani 4 (1751), le 29 septembre et une pierre tombale du frère plus jeune · fils Mi construit le 11 novembre, Meiwa (1765) .