OWARAKAZENOBON un art vivant

 

 

 

 

 

 

Photographie: Pascal Ducrey , septembre 2004 tout droits reserves

OWARAKAZENOBON おわら風の盆

Owara Kaze no Bon おわら風の盆 Festival, de danses et

chant de la fête des morts s'étendant des monts Hida au

versant Etchu, est une petite ville qui s'est développée sur la

route située au sud-ouest de la plaine de Toyama, au pied

des monts Hida, à la frontière avec la préfecture de

Gifu.Etchuetchio est à 12 km de Toyama nord ouest du Japon

Autrefois, elle était un carrefour commercial prospère sur la

route, servant d'entrepôt financier au domaine de Toyama.

Cette prospérité est éloquemment exprimée par les

magnifiques chars et le chant incessant, lanscinant et

doux« Owara Kaze no Bon Festival ».

La vieille ville où se déroule Owara Kaze no Bon Festival est

une ville vallonnée, longue et étroite, perchée à flanc de

montagne. De chaque côté de la rue, des canaux d'irrigation

appelés « Ennaka », utilisés pour le déneigement et la

prévention des incendies, émettent un son apaisant. Le son

de l'eau d'Ennaka et le festival Owara Kaze no Bon ont été

sélectionnés par le ministère de l'Environnement comme l'un

des « 100 plus beaux paysages sonores du Japon ».

Ce village de montagne, habituellement paisible, se

transforme chaque année pendant trois jours, du 1er au 3

septembre, à l'occasion du festival Owara Bon.

Yao est une ville riche en culture et en histoire.

Ce guide vous fera découvrir les vestiges de la culture et de

l'histoire de la petite ville qui a donné naissance au festival

Owara Bon.

-Main dans la main sur un pont suspendu oscillant

La rivière Ida derrière, Owara, le vent printanierEst-ce l'université Keio quelque part près de Toyama Ils se sont envolés, Owara, la lumière arrive

Alors que nous nous séparions le long du versant Yao

Est-ce de la rosée ou de la bruine ? Owara, légèrement

J'ai ouvert la fenêtre, pensant qu'ils pourraient arriver.

Quand j'ai regardé, j'ai vu les cinq montagnes, Owara, rien

que de la neige.

« Yao Shiki » de Kosugi Hoan.

https://ebird.org/region/L10091464

八八尾市八尾八尾市

S'agissant d'une montagne dédiée aux cérémonies

religieuses, les sculptures qui ornent l'ensemble du char

représentent des personnages et des récits historiques,

porteurs de bon augure.

Splendides et captivantes, elles représentent des

personnages et des événements grandioses, tels qu'Ariwara

no Narihira, le célèbre Guan Yu du Roman des Trois

Royaumes, Takeuchi no Sukune avec une image du dieu

dragon, le Grand Phénix, Fukakusa no Shosho et Ono no

Komachi, Koxinga, le chant des huit immortels en train de

boire, la chute du lionceau, la carpe chassée, Ebisu, Jurojin,

Urashima Taro, Okina, Huangshigong, Zhang Liang, Bai Juyi,

l'ermite d'Ebisu, Sugawara no Michizane, l'ermite de

Kototaka, le roi Wen de Zhou, Moso, Hiryu, l'impératrice

Jingu, l'empereur Ojin, Daikokuten, Hakuyo, l'empereur

Jimmu, et bien d'autres.

Yao est située sur la route reliant Hida à la mer du Japon, et

de nombreux habitants y ont séjourné depuis l'Antiquité. À

l'époque des Royaumes combattants, c'était un lieu

stratégique, et à l'époque d'Edo, elle a prospéré comme un

carrefour industriel et de transport clé.

À cette époque, la ville s'est établie et la production d'œufs de

vers à soie s'est développée. Ses canaux de vente se sont

étendus à 17 provinces, dont les provinces voisines de Hida,

Kaga, Noto et Echizen, ainsi que Tanba, Tajima, Mino et

Tohoku. Yao a prospéré suffisamment pour soutenir les

finances du domaine de Toyama.

Les principales industries de la ville étaient la sériciculture et

la production d'œufs de vers à soie, mais d'autres activités

sont devenues populaires grâce à la production de charbon

de bois, et la ville s'est développée comme un point de

collecte de produits. Avec le développement économique, de

riches marchands sont apparus, apportant à Yao des arts et

une culture de tout le Japon, rendant Yao très dynamique et

enrichissant la vie des habitants. Le vif intérêt des habitants

de Yao pour les arts du spectacle et la culture a commencé

avec le développement de la ville et s'est transmis jusqu'à nos

jours sous la forme d'événements de chars et d'Owara.

La date de naissance d'Owara est incertaine, car il ne reste

aucun document précis. Selon l'Etchu Fushiki Gunshi,

l'origine d'Owarabushi remonterait à mars 1702 (Genroku 15),

lorsque les habitants de Yao célébrèrent la reprise du « sceau

de construction de la ville » délivré par le domaine de Kaga à

la famille fondatrice de la ville, Yoneya Shobei, en défilant

dans la ville pendant trois jours au rythme de la musique, des

danses et des récitals endiablés. Comme le dit le dicton,

même les divertissements les plus intenses sont insatiables.

C'est pourquoi la Fête du Printemps était un événement

animé avec shamisen, tambours taiko, shakuhachi et autres

instruments de musique, et les gens se déguisaient en défilés

chantant des chansons folkloriques et des joruri.

Cela a donné naissance à la fête d'Obon (qui a eu lieu le 15

du 7e mois du calendrier lunaire), également rythmée par des

chants, des danses et de la musique. On raconte que celle-ci

a finalement évolué vers une fête appelée Kaze no Bon,

célébrée les 1er, 2 et 3 septembre, jour du vent malchanceux

du 210, pour prier pour la pacification du dieu du vent.

Shuji vivait avec Owara à Yao et était un peintre qui a

contribué à la naissance de l'Owara moderne. Il n'existe pas

de plus belles peintures que celles d'Akiji, qui incarnent

l'histoire d'Owara. C'est comme si l'on pouvait entendre les

sons d'Owara dans son cœur à travers ses peintures.

Peintures d'Owara Hayashiji

Poupées et peintures qui donnent un aperçu des sons

d'Owara. (Vous pouvez les admirer au musée d'Owara.)

L'origine du Kaze no Bon

Vers le 210e jour, les typhons arrivent. C'est à cette époque

que les vents d'automne qui soufflent des montagnes

jusqu'aux contreforts endommagent les rizières. Depuis

l'Antiquité, les gens prient pour une bonne récolte en chantant

et en dansant pour apaiser le dieu du vent afin que le riz

avant la récolte ne soit pas endommagé par le vent. Il semble

que ce festival soit appelé « Kaze no Bon ».

De plus, l'origine de « Kaze no Bon » est liée au fait que,

dans la région, les jours fériés sont appelés « pon »

(vendredi) et que le nom « pon » proviendrait du « pon » (盐),

qui désigne les semis, la plantation et la pluie.

Qu'est-ce qu'Owara ?おわら風の盆

• Il existe plusieurs théories sur l'origine du mot « Owara ».

  L'une d'elles est qu'à l'époque d'Edo, des maîtres du

  divertissement Yao locaux créaient des chansons au rythme

  7-5 et défilaient dans la ville en y insérant le mot « owarahi »

  (grand rire). Le nom a fini par être chanté « Owara ». Une

  autre théorie suggère qu'il dérive de la théorie « Owara »

  (grand remède), qui dérive d'une prière pour une bonne

  récolte, et de la théorie du village d'Ohara, selon laquelle une

  jeune

  fille du village d'Obara, près de Yao, aurait commencé à le

  chanter.

  On ignore également quand « Ohara » est devenu « Owara ».

  Dans les recueils de chansons et les publicités de l'ère Meiji,

  le mot « Owara » s'écrit « Ohara » ou « Ohara ». On trouve

  des chansons folkloriques accompagnées de « Owara » dans

  tout le pays.

  Des chansons populaires ont pris racine dans divers endroits

  et sont devenues « Ohara » ou « Owara » au gré de

  circonstances diverses. Parmi elles, « Owara-bushi » d'Etchu

  Yao est célèbre dans tout le pays et a été enregistrée par de

  nombreux compositeurs depuis l'ère Meiji.

   

   

   

   

  

  
   

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Un Kabuki populaire : TAISHUENGEKI

 -Theatre pour les masses- en traduction littérale.(大衆演劇)

 

 Le corps présenté sur scène est  un acte artistique autant et parfois plus que la performance elle-même. Créer un personnage signifie emprunter à la culture japonaise «traditionnelle» qui comprend les geishas, les courtisanes, les perruques lourdes et les kimonos  brodés, ainsi qu'à la culture contemporaine du manga et du cosplay. les personnages se déplaçant devant le public semblent être directement descendus des pages d'un manga fantastique ou d’un film de Chambara (cape et épée).
Plutôt que d'être fluides dans les genres, le corps du taishūengeki est asexués parce que non  réels et ne prétendent pas l'être.
Un acteur sur la scène traditionnelle est une photographie, ou, si le décor comporte des éléments fantastiques, une peinture d'un univers imagine. Un acteur de la scène taishū engeki transforme son corps en dessin de manga : quelque chose qui n'existe pas dans la vraie vie, mais qui est hautement désirable, désirable, fantasme.

Les acteurs de Kabuki ont mis en scène l'érotisme en se faisant passer pour des femmes ; Les acteurs Taishūengeki jouent avec le désir devenant tour à tour Cendrillon et le Prince.
Les acteurs de Taishūengeki choisissent  leurs personnages et ont des préférences individuelles, mais cela est secondaire par rapport à leur objectif de captiver le public. Les deux catégories d'interprètes apprennent à réinventer leurs corps, à les recréer sur scène ; cependant, dans un cas, nous assistons à une métamorphose individuelle de la vie réelle en personnage théâtral, et dans l'autre, nous avons un individu qui peut se transformer en n'importe quel personnage .

Le Taishūengeki n'est  pas du kabuki : il n'est pas célébré par les médias et encore moins par  les chercheurs, et de nombreuses personnes dans la société japonaise contemporaine le considèrent comme une forme vulgaire et étrange de divertissement. Compte tenu du faible prix des billets et du fait que les spectacles sont rarement complets, on peut s'inquiéter de son avenir.
Ses pièces se déroulent principalement dans la période Tokugawa et sont centrés sur les conflits classiques entre le devoir (giri) et les sentiments humains (ninjō) le bien et le mal (zen'aku).
Personnages de drame historique ( jidaigeki) et les répertoires kabuki tournent souvent autour de la figure du yakuza, un étranger itinérant - le plus souvent un criminel - en désaccord avec la société de droit et d'ordre. Encore une fois comme les drames télévisés des samouraïs,
il y a beaucoup de combats d'épée.

 

Kurozaki, banlieue de Kitakyushu,sept. 23.La troupe defile dans le quartier du theatre pour annoncer sa venue.Aikawa Noboru le chef de la troupe me reconnais.J'attendais la depuis 3 heures.

Aikawa Noboru en Onnagata sur scene

Chateau de Kurozaki

Des éléments explicites du kabuki sont conserves  : onnagata (acteurs masculins pour des rôles féminins),kata (formes fixes d'action) et mie (poses stylisées).
Les acteurs de Taishuengeki eux-mêmes se réfèrent souvent à leur performance comme"kabuki de troisième ordre." Cette perception de leur art comme un produit à petit budget .Le kabuki découle de la base historique de ce théâtre itinérant. Certains groupes ont formé leurs propres communautés sédentaires et se sont spécialisés en particulier des variétés de performances, telles que le théâtre de poupées. Ces artistes en sont venus à définir à bien des égards les marges de communautés agricoles sédentaires; ils formaient le substrat pour le kabuki et les formes de divertissement connexes au XVIIe siècle.
Obligés de s'installer le long des berges - terres indésirables formant souvent les frontières des villages et des villes - ils sont devenus connus sous le nom de kawarakojiki, ou "mendiants au bord de la rivière". Les acteurs de Kabuki ont progressivement atteint de l'importance a la période Tokugawa, bien que les acteurs  étaient strictement contrôlés et séparés. Quelques grands théâtres et des dynasties d'acteurs ont émergé formant  leurs propres troupes , qui jouaient dans des théâtres, grands et petits, dans les centres urbains.Les autres ont joué dans les foires et festivals des temples
dans les campagne.
À la fin de l'ère Meiji et au début de l'ère Taishō (1912-1926), les acteurs ont commencé en incorporant des éléments du théâtre européen et américain dans leur  performances.
Le mot taishu, qui signifie littéralement "grands groupes de personnes", peut être traduit par "masse" ou "populaire". Bien que la « culture de masse » et la « culture populaire » soient couramment utilisées de manière presque interchangeable, la différence entre les deux a longtemps fait l'objet de débats dans les études culturelles. C'est-à-dire que la « masse » - notamment au sens où Horkheimer et Adorno, par exemple, veulent la penser - peut « exclure d'emblée l'interprétation qui plaît à ses adhérents : qu'il s'agit de quelque chose comme une culture. qui surgit spontanément des masses elles-mêmes, une forme contemporaine d'art populaire - totalement distinct des productions de l'industrie culturelle, si le populaire doit conserver une force critique ou un lien populaire résistant au « peuple » du capitalisme avancé comme authentiquement et simplement populaire - du peuple - quel que soit le jeu de la persuasion, du capital et de l'idéologie à l'œuvre pour produire, disons, une marchandise à succès (et à l'œuvre pour la consommer). du haut vers le bas, le pouvoir standardisé qu'implique le taishū- comme-"masse", et la prévalence croissante et résistante que le taishu évoque comme "populaire". a  Kurihara Akira a décrit une séquence de trois formations de masse : la «culture de masse » (taishu bunka) comme véritable culture populaire communautaire (qu'il considère comme un horizon utopique de la nostalgie culturelle) ; la culture de masse comme le régime moderniste classique des films, des chansons pop, des magazines et du base-ball, dans lequel il y a «amplement de place pour la projection des désirs et des besoins et pour l'exercice de l'imagination » .Taishuengeki a souvent fait référence en termes très généraux aux diverses formes de théâtre léger, de comédie ou de drame dits de style occidental qui ont été très populaires depuis le début du XXe siècle. Le théâtre populaire examiné dans ce chapitre, cependant, se réfère spécifiquement uniquement aux spectacles itinérants à petite échelle dont le répertoire comprend des pièces se déroulant à l'époque Tokugawa (axées sur des thèmes largement dérivés du kabuki), des spectacles de chansons et des segments de danse. D'autres noms appliqués à ce type de théâtre incluent dosa mawari et inaka mawari , tabi shibai (théâtre itinérant), zacho shibai (théâtre dirigé par un chef de troupe) et sanryu kabuki (kabuki de troisième ordre). En fait, le terme taishuengeki appliqué à ces petites troupes itinérantes n'est devenu courant que depuis une vingtaine d'années ; de nombreuses troupes se l'approprient, espérant élargir leur base de popularité et articuler leur attrait plus désuet avec des formes de divertissement et de variétés à grande échelle. Cependant, loin d'être vraiment massif dans son attrait, le taishūengeki ne parvient à attirer qu'un nombre infime de fans par rapport aux méga-attractions telles que les concerts de rock, les matchs de baseball et les émissions de télévision. En ce sens, cela ne pourrait pas être plus éloigné de la popularité de masse de, disons, la télévision, à laquelle de nombreux acteurs de taishuengeki aspirent de manière ambivalente. Le kabuki à petit budget et ses promesses si le taishuengeki dont il est question ici n'est pas le théâtre de lumière d'influence occidentale dépeint dans les encyclopédies théâtrales japonaises, alors quel est son contenu ?



 

Printemps tardif Titre original : 晩春 (Banshun) Yasujiro Ozu

Noriko, à 27 ans, est la seule fille de la famille Somiya à ne pas être mariée. Elle vit cependant heureuse avec son père mais ce dernier pense qu'il est grand temps pour elle de penser au mariage. Noriko est réticente à l'idée de laisser son père seul mais elle finit tout de même par accepter. Après un dernier séjour à Kyoto en compagnie de sa fille, le père finit par ressentir cette solitude que sa fille avait tant redoutée.

Musique et chant du Japon Harue Momoyama

Harue Momoyama Hauta chantant "Les nuits d'automne sont longues" Un chef-d'œuvre d'Edo hauta qui aurait été composé pendant la période Tenpo. En général, il est interprété comme une chanson sur le cœur d'une femme, dans laquelle l'homme de ses rêves ne vient pas lui rendre visite même après la fin du clair de lune, et seul le son de la cloche sonne solitaire. tout en pensant au ciel lointain d'Edo alors qu'il travaillait dans une mine d'or. On dit qu'après la découverte de filons d'or et d'argent dans la mine d'Aikawa à Sado, le shogunat a établi un bureau de magistrat dans cette région et la population a dépassé les 100 000 habitants. Les creuseurs de mines d'or qui avaient été recrutés au début étaient un travail trop dur pour attirer les gens, et les pécheurs ont été exilés à Sado pour le travail. Si l'on considère cette "Nuit d'automne" comme l'œuvre d'un pécheur envoyé à la mine d'or, alors "Attendez une seconde, mais celui qui ne vient pas" est un messager du pardon d'Edo, et "Le nombre de doigts dort et se réveille" est Edo. C'est une chanson triste et déchirante sur le nombre d'années et de mois écoulés depuis que vous avez été libéré et que vous êtes en prison, illuminé par la pleine lune, tout en comptant vos doigts. Harue Momoyama a généralement chanté cette chanson depuis le début de la chanson, changeant le `` nu '' dans `` le cœur du spectateur de la lune parfaitement rond '' en `` ru '' comme `` le cœur du spectateur de la lune parfaitement rond ''. Je pense que c'est parce que je l'ai compris et chanté comme une chanson de cette mine d'or. Au fait, elle a demandé à M. Eijuzo, M. Kiyoomi Enjoji et M. Chido Soeda d'écouter ces paroles. Il y a des chansons qui ont de telles significations cachées derrière les chansons folkloriques de Kouta et Hauta. (Se référer au "Kouta" de Kikutaro Kimura) En tout cas, ce hauta de Harue Momoyama a un style inégalé avec l'utilisation du shamisen de Miyazono.

Momoyama Harue (桃山 晴衣, 1939–2008) was a Japanese singer-songwriter who specialized in the shamisen. Her real name was Kashima Harue (鹿島 晴江). Momoyama a commencé à apprendre à jouer du shamisen à l'âge de six ans. En 1961, avec le soutien de son père, Kashima Daiji (鹿島大治), chercheur en ryūkōka et en musique japonaise historique, elle fonde l'école Momoyama (桃山流, Momoyama-ryū) de jeu de shamisen et devient iemoto. Deux ans plus tard, en 1963, Momoyama découvre le style de jōruri Miyazono-bushi (宮薗節) et devient l'un des rares élèves de son dernier maître Miyazono Senju IV. En 1974, elle prend sa retraite en tant qu'iemoto de l'école Momoyama et devient la dernière disciple de Soeda Tomomichi, une autorité sur l'enka des ères Meiji et Taishō. En 1981, Momoyama a lancé un projet visant à ressusciter le Ryōjin Hishō, une collection de chansons de la période Heian.[1] Cela en vint à occuper la plus grande partie du reste de sa vie. Lors d'une tournée en Europe, elle rencontre le percussionniste Tsuchitori Toshiyuki. Les deux ont ensuite fondé le label Ryūkō Gakusha (立光学舍) en 1987, Plus tard, les deux ont collaboré avec d'autres artistes, dont Ōno Kazuo. Elle est décédée d'un cancer du sein dans un hôpital le 5 décembre 2008 à Nisshin, Aichi. Elle avait 69 ans. Après sa mort, Tsuchitori a continué à faire connaître sa musique.

AWAODORI fragment un film de Nagaoka Mile

二年前のことなので、ボヤケてはいるが、記憶を辿ると、これは手持ちでの撮影だった。 カメラ小僧のおじさんたちの渦の中で、頑なな三脚禁止令が出ていて、ポジション取りのため 仕方なく中腰の状態で、プルプルしながら何十分も手持ちでの撮影。 上に櫓を立てて堂々とデカい立派な機材で撮影するNHK様に殺意を覚えながらも、 絶対に誰にも負けないと歯を食いしばって撮った懐かしいDSLRやりたてホヤホヤの作品である。 DSLRに適したシャッタースピードが、50と知らず、おそらく100か120ぐらいの高速シャッターで 撮ってしまったが為、やたらに周囲の人々の扇ぐ団扇が早く、動きもチョコマカとしている。 また、録音マイクのスイッチを入れ忘れたため、音が撮れていない。にもかかわらず、音が入っているのは、余りにも環境音が大きかったが為に、OFFの上から収音してしまったもので、ノイズの裏にそれがのっている。 技術的には全然だが、かえって今見ると面白さがある。そんな作品を、阿波踊り初日に公開することにする。 C'était il y a deux ans, donc c'est un peu flou, mais d'après mes souvenirs, c'était une prise de vue à main levée. Dans le tourbillon des oncles caméramans, une interdiction obstinée des trépieds a été prononcée, et pour le positionnement Je n'avais pas d'autre choix que de filmer à main levée pendant des dizaines de minutes en secouant la tête. Tout en ressentant une intention meurtrière à NHK, qui tire avec un grand et splendide équipement avec une tour au sommet, C'est un travail DSLR nostalgique que j'ai tourné avec des dents serrées que je ne perdrais jamais pour personne. Je ne sais pas si la vitesse d'obturation adaptée au reflex numérique est de 50, mais probablement avec une vitesse d'obturation élevée d'environ 100 ou 120 Parce que je l'ai pris en photo, l'éventail des gens autour de moi était rapide et le mouvement était choco-maka. De plus, j'ai oublié d'allumer le microphone d'enregistrement, donc le son n'a pas été capturé. Malgré cela, le son inclus est que le son ambiant était trop fort, donc le son a été capté à partir de la position OFF, et il est à l'arrière du bruit. Techniquement ce n'est rien, mais c'est intéressant de le voir maintenant. J'ai décidé de montrer une telle œuvre le premier jour d'Awa Odori. https://vimeo.com/47396610

BLAK - Between Darkness and Light

Le réalisateur Mile Nagaoka met en lumière le premier album de BLAK "Between Darkness and Light" avec un court métrage mettant en vedette la remarquable danseuse Frauke. Mixé et masterisé par Randy Cordner au Beast Mansion Studio, le premier album de BLAK est l'une des sorties les plus attendues cette année. Bien que mystérieux, ce court métrage cinématographique révèle clairement pourquoi. - Essentiels post-rock Une magnifique beauté dans ces passages de l’obscurité à la lumière. De la tristesse à l’espoir, au-delà du voile sombre de la mélancolie. Il est un premier opus sublime, qui a déjà tout d’un grand. A savourer absolument. https://www.frauke.se/ La performance de butô Pearl explore la beauté cachée. Une force rayonnante qui se trouve à l'intérieur d'une coquille sombre. Un état d'allure ésotérique, une attraction, informe, sous une surface réfléchissante. Pearl est retenu par les ténèbres. Il symbolise une force de défense contre une menace potentielle, inexistante ou existante. Une réponse primordiale. D'une profondeur sans fond, des perles naissent, brillantes comme des gouttes de rosée tombées du ciel nocturne dans la mer éclairée par la lune. Le film montre les réalités d'une femme, l'actuel et le vécu et comment elle se transforme / retrouve son chemin vers elle-même. Un voyage à travers les six sphères sensorielles; le goût, la vue, l'odorat, l'ouïe, le toucher et l'altruisme. Une histoire avec un fort concentré d'émotions, de suspense et de présence. Ce sera une expérience visuelle et magnifique où les frontières entre le beau et le laid sont fluides et libératrices. Dans Pearl, Frauke explore la beauté cachée. Une force rayonnante à l'intérieur d'une coquille sombre. Le butoh est une forme avant-gardiste de danse-théâtre créée au Japon à la fin des années 1950. Les chorégraphes plus internationaux qui travaillent avec la forme d'art, il continue à se développer dans des directions différentes. La chorégraphe suédoise Caroline Lundblad, avec le nom d'artiste Frauke, vit et travaille à Kyoto, au Japon et est reconnue pour sa propre entrée scandinave. Dans Pearl, il y aura aussi des influences du théâtre Nô traditionnel japonais, que Caroline étudie avec le maître Nô Nobuyuki Oe, Kyoto. Une grande partie de l'équipe artistique de Pearl est basée au Japon, y compris le réalisateur Yusuke Kitaguchi et le créateur de costumes Ryo Onishi - ce sera le rêve d'un amoureux de la mode avec des changements de costumes exceptionnels dans les six scènes différentes. La musique est composée par Daniel Troberg, basé à Los Angeles. Interprète par FRAUKE Co-vedette KODAIJIN Réalisateur Yusuke Kitaguchi Directeur de la photographie Yasushi Kurihara Gaffeur Hikaru Kodani Assistant caméra Shinya Matsumoto, Teruyuki Inoue, Kosuke Watanabe Assistant réalisateur Yuya Makino Conception des costumes Ryo Onishi Coiffure et maquillage Yasuharu Hino Assistante maquillage Shuna Nagise Scénographie Kenichi Nomura Fil de fer Jun Yoshitake, Yuya Kiuchi, Yuuki Oka, Kaori Tsujibayashi Musique Daniel Troberg Titre Conception Hoisa Leong Monteur Yusuke Kitaguchi ​ Coloriste Masakazu Okuda Assistant rédacteur en chef Donkey-Baby Bande-annonce éditée par Yoshihito Iyama Conception Web Sadae Iba Emplacements STUDIO QUÉ BUREAU SHIGA MORIKE JUTAKU par KAN MORI une PRODUCTION DE PICS ICHIBIRI Supporté par Conseil des arts suédois Le Comité suédois des subventions aux arts Région Västra Götaland Ville de Göteborg